Auditorio de Tenerife apuesta por el desarrollo de los artistas, las nuevas creaciones y, sobre todo, los procesos artísticos. Para poder crear hace falta tiempo, espacios y recursos y eso es lo que ofrece Auditorio de Tenerife en su línea de residencias artísticas, llamadas Voz y cuerpo, centradas principalmente en las artes escénicas y la música. Cada una de estas sesiones genera pensamiento, reflexiones y acciones que muchas veces termina con una muestra pública en la que se comparte con el público el trabajo en el que se ha avanzado. Dependiendo de las características de cada propuesta, esta exposición llevará un formato u otro.

Descubre en este espacio las últimas propuestas que albergamos.

Residencias

Actualidad

Auditorio de Tenerife recibe del 12 al 24 de febrero de 2024 la residencia artística SED, de Raquel Ponce.

 

Desde un concepto expandido de las prácticas escénicas, SED busca ahondar en la palabra escrita, en su dibujo, en su trazo, así como también en las estrategias de narración, en los modos de hacer y en los dispositivos y procedimientos para comunicarla; SED utiliza el texto como una red de ideas, de imágenes y pasajes escritos para hacerlos mover en un espacio multidimensional. Este proyecto ha recibido la ayuda para la investigación de proyectos de Creación del Gobierno de Canarias del 2022.

 

Raquel Ponce. Licenciada en Historia, en la especialidad de Historia del Arte. Se forma y trabaja como bailarina, actriz , directora escénica y performer en Canarias y Madrid. Artista residente de los Estudios de Producción del Centro de Arte La Regenta. Cofundadora de la compañía de nuevas tendencias escénicas Perro Verde.  Imparte clases de Teoría de la comunicación y el Espectáculo en el Grado de Arte Dramático en la sede de Gran Canaria.

Intérprete de numerosas performance entre los que destacan los realizados con Tino Seghal, Dora García (Narrativas instantáneas) Gary Stevens (And), Xavier Le Roy (Extensions, Proyect), y presentados en diferentes ciudades europeas (Amsterdam, Lisboa, París, Bruselas, Berlín, Estocolmo, Ginebra...).

Como creadora ha realizado e interpretado las piezas La última vez de siempre, Otra estúpida película norteamericana, Artematón, Cervezas gratis, Narcisa, Backstage y Taller de público para público, entre otras.

Ha llevado a cabo proyectos de carácter expositivo entre los que destacan: BACK, presentado en el CAAM/ (L.P.G.C), y en la Bienal de La Imagen en Movimiento Buenos Aires- Argentina; Corpografías, presentado en el espacio Área 60 en el TEA y Sala de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de Tenerife , y Drawing, presentado en la Bienal de Arte de Dakar (Senegal).

Sus trabajos performáticos han sido presentados en diferentes festivales, entre los que destacan: Display, en el Instituto Cervantes de Berlín;  Cuerpo a Cuerpo, en el Centro de Arte La Regenta; Cinemadamare, en Italia, en el Festival de performance BONE en Suiza y ALtofest en Italia.

Actualidad

Auditorio de Tenerife recibe del 15 al 21 de enero de 2024 la residencia artística Ágape, de Patricia Caballero. Además, el último día de la residencia tendrá lugar el taller Cuerpo al rito impartido por la propia artista. 

 

Ágape es una máquina de alquimia escénica. Patricia Caballero trae a la creación su experiencia con la alquimia, sometiéndose a los procesos que convierten el carbono en diamante,aplicados, esta vez, al cuerpo, a la consciencia, al tiempo y al dispositivo escénico. En esta destilación de legados y linajes, nos acompaña un grotesco humor a través de juegos simbólicos y ritos de paso.

Nos apoyamos en las antiguas pinturas y grabados de alquimia. La imagen y la alquimia buscaron juntas un equilibrio entre la presencia y la ausencia, entre la ficción y la realidad, entre el secreto y la transmisión de conocimiento, entre el lenguaje explícito y el velado, entre la presencia y la máscara.

El cuerpo como protagonista, nos conduce a estados y situaciones que merodean alrededor de lo banal, lo poético, la catarsis, el trance y la purga. A través de la danza de esta inclasificable creadora, en compañía de dos genuinos músicos, descubriremos entresijos desconocidos del flamenco, de la escena y de la consciencia. Nos sumergimos en un intrincado juego que nos invita a percibir la realidad cuántica y el desdoblamiento de los tiempos, desvelando la eternidad en lo aparentemente efímero.

 

Ficha artística

Dirección: Patricia Caballero

Interpretación y música original: Beñat Achiary (voz y percusión), Raul Cantizano (zanfoña, laúd y guitarra) y Patricia Caballero

Dirección de arte: Julia Valencia

Iluminación: Cristina Libertad

Sonido y espacio sonoro: Pedro León

Asistente de dirección: Romain Delavoipière

Coordinación técnica: Carmen Mori

Producción: Maria Velasco

Distribución: Chema Blanco

Audiovisual: Eva Viera

Fotografía: Agustín Hurtado

Comunicación: María Martinez

Coproducción: Teatro Lope de Vega (Sevilla)

y Teatro Leal (Tenerife)

Esta producción está subvencionada por la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales.

 

Patricia Caballero lleva 33 años de relación con la danza y 17 de recorrido profesional. Un camino de profundo estudio, creación, enseñanza y acompañamientos. Sus numerosos trabajos transdisciplinares son impulsados por teatros, festivales y espacios de creación nacionales e internacionales.

Desde el 2006 indaga en diferentes lenguajes, profundizando en el documental escénico a través de una trilogía: Aquí Gloria y después paz, Lo raro es que estemos vivos y Barrunto. Colaboró estrechamente con La Porta (Barcelona), plataforma que hasta su disolución apoyó todos sus proyectos. Hace 4 años que está envuelta en Epifanías, un proyecto de investigación, que agita los límites entre la fiesta popular, el rito sagrado y el acontecimiento escénico, encaminando su lenguaje artístico hacia un nuevo paradigma. En él participaron más de 350 personas y fue apoyado por diversas instituciones y comunidades.

Trabajó varios años de la mano de Israel Galván en la dirección escénica y el acompañamiento integral de su trabajo. Cocreó con otros artistas como Mónica Valenciano o Niño de Elche. Constantemente está acompañando en sus proyectos a creadores como Luz Arcas (La Pharmaco), Alberto Cortés, Rocío Guzman, Rosa Romero… entre muchos otros. Comienza recientemente su carrera en el cine con la película On the Go, actualmente en gira mundial por prestigiosos festivales de cine de autor.

Licenciada en Coreografía por el Institut del Teatro de Barcelona, cofunda colectivos y comunidades artísticas como Arriero, Zirtam, La Colmena... consolidando su práctica BodyVoice Process, sobre la que ofrece formaciones de dos años, tras 11 años de persistente laboratorio e indagación. Es además curadora de programaciones como Ciutat Flamenc 2016 del Mercat de les Flors de Barcelona; de los Encuentros de Arte y Ecología en entornos rurales gaditanos; co-impulsora y asesora del espacio de creación El Molino de Guadalmesí (Tarifa-Cádiz); y jurado y acompañante de las residencias artísticas de La Aceitera (centro de creación de Rocío Molina en Sevilla).

Actualidad

El proyecto La suerte Newman estuvo enr esidencia artística en el Auditorio de Tenerife 11 de septiembre hasta el 25.

Equipo artístico

Idea: Cristina Hernández Cruz
Impostoras:

Carmelo Fernández (Dama de compañía, Musibailactor, cucaracha)
Cristina Hernández Cruz (musibailaactriz, dramaqueen, cucaracha)
Baltasar Patiño (musiiluminador, cucaracha)
Raquel Ponce (Bailaactriz, dramaqueen, cucaracha)
Nacho Sanz (musibailactor)
Espacio escénico: Tahíche Díaz
Indumentaria: Raquel Rodríguez
Imagen: Hugo Cebrián

La suerte Newman

Expresión que utilizaba Paul Newman para definir la sucesión de acontecimientos que lo habían llevado a tener una vida exitosa. Con ese humor tan suyo, se restaba el mérito de sus logros personales y profesionales; para Paul Newman sus decisiones, sus acciones, su carácter o su talento no habían tenido mucho que ver en la consecución de sus logros atribuyendo de alguna forma al universo la responsabilidad de su fatum.

La frase resume lo que en psicología se denomina síndrome de la impostora

El síndrome de la impostora es el cuadro psicológico en el que la gente se siente incapaz de interiorizar sus logros y sufre un miedo constante a ser desenmascarado como fraude (en la vida privada y/o en la laboral). El término fue acuñado en 1978 por las psicólogas clínicas Pauline Clance y Suzanne Imes en su artículo «The imposter phenomenon in high achieving women: Dynamics and therapeutic intervention». Se categorizan en 5 grupos de personas: Los perfeccionistas, los individualistas, los expertos, los genios naturales, y los superhumanos.

Entregarse, enajenarse, conmoverse…

El cuadro protocubista por antonomasia que en realidad se inspiró en las prostitutas de la calle Avinyò de Barcelona. Creado inicialmente con un propósito aleccionador sobre la prostitución… El cubismo también se exploró en poesía (Gertrude Stein, Vicente Huidobro, Apollinaire,...). Todas estas ideas atraviesan la pieza escénica transversalmente: el espacio escénico, el espacio sonoro, la indumentaria, la iluminación, una manera de estar en escena (que entiende el cuerpo como un todo que incluye voz, acción, movimiento,...y sus contrarios) , o la dramaturgia (el texto, o/y la estructura de la pieza, concebidos en sí mismo como una deconstrucción que se aleja de la construcción dramática clásica: introducción, nudo y desenlace).

Abismarse

El síndrome de la impostora es el argumento principal de La suerte Newman, sus catalizadores son:

  • La distorsión. La geometría. El cubismo.
  • La música.
  • Algunas piezas audiovisuales.

La vida de Joanne Woodward y Paul Newman retratada por Ethan Hawke en “Las últimas estrellas de Hollywood” puso sobre la mesa la perfección de lo imperfecto.

“La mujer que dice no” (sobre Françoise Gillot y Pablo Picasso) y “El álbum secreto de Clint Eastwood” , “Pi” (película de Darren Aronovski), Druk (Thomas Vinterberg), o Zorba el griego continúan con el debate sobre el éxito, la obsesión, el síndrome de la impostora, la distinción persona-obra, la imagen creada y la construida...

Son distintos planos de un todo, o distintas perspectivas de mirar las cosas.

Se eligen 5 “impostoras” en escena porque 5 son las personalidades de “la impostora”, el 5 está presente en la notación musical europea (pentagrama) y 5 son las señoritas de Avignon...

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Auditorio de Tenerife recibe del 3 al 16 de julio de 2023 la residencia artística Solala de Amalia Fernández, del Laboratorio de Artes Vivas y Ciudadanía, que cuenta con el patrocinio del Instituto Canario de Desarrollo Cultural del Gobierno de Canarias. La muestra final tendrá lugar el domingo 16 de julio a las 19:30 horas en la Sala Castillo del Auditorio de Tenerife. 

 

Solala es el título de un proyecto que dará lugar a una serie de  piezas de corta duración, hechas para ser vistas una detrás de otra,  creadas e interpretadas por Amalia Fernández.  El proceso creativo parte de una lista de deseos. ¿Quién no ha hecho alguna vez una lista de deseos? Un inventario de propósitos para el nuevo curso, una carta a los Reyes Magos, una promesa a la Virgen de la cueva... El deseo es el motor de la acción. Es el presente que echa a andar hacia el futuro.

 

Este proyecto (aunque nadie lo dirá, porque no es lo que parece) trata sobre el paso del tiempo en distintos sentidos:

  • El tiempo inevitable que se tarda en logar llevar algo a término: la espera, la constancia, la paciencia, la tarea pequeña de cada día y su acumulación.
  • El tiempo de vida del que dispone cada ser humano. El tiempo de los humanos que va pasando de cuerpo en cuerpo infinitamente. La familia: los progenitores.
  • El tiempo del reloj frente al tiempo como percepción subjetiva de los sentidos. El minuto que se hace eterno y la semana de vacaciones que pasa volando. El tiempo mientras bailamos. El tiempo contigo y el tiempo sin ti. ¿Qué hora es?
  • El tiempo histórico y cíclico.
  • El tiempo que se comparte con los otros.

Lo que posiblemente digan es que Solala es hacer ganchillo, crear relatos a partir de fotos de familia, reflexionar sobre Cuba, cantar todos juntos  y alguna cosa más.

 

Amalia Fernández (Granada, 1970)

2020 02 28 ADT TENERIFE LAV 37Formada en danza clásica en el Real Conservatorio de Sevilla y en danza contemporánea con distintas coreógrafas como Ana Buitrago, Francesc Bravo, Olga Mesa, Mónica Valenciano y otras.

Su trayectoria profesional ha ido de la interpretación (como miembro de la Cia. “El Bailadero-Mónica Valenciano”, durante 10 años) a la creación independiente a partir del 2005. Es autora, directora e intérprete de las piezas  MatrioshkaKratimoshaEn ConstrucciónEl resistente y delicado hilo musicalExpografía,  Monstruos Musicales Neti Neti, entre otras. También crea otras piezas en colaboración con las artistas Juan Domínguez, Nilo Gallego, Sonia Gómez y Cuqui Jerez.

Como docente ha colaborado con el Master de Práctica Escénica y Cultura Visual de la Universidad de Castilla La Mancha, con el Institut del Teatre de Barcelona, con el Proyecto LOVA, con el museo Reina Sofia y un largo etc.

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Auditorio de Tenerife recibe durante los meses de septiembre, octubre y noviembre de 2021, distribuida en 15 sesiones, la residencia artística Sobre lo que no se ve, un proyecto de la bailarina Masu Fajardo. La muestra final tendrá lugar el viernes 3 de diciembre de 2021 a las 18:30 horas.

 

Se trata de una investigación sobre una corporalidad que se basa en la experimentación de la acción a través de la sensación y su narración.

Este trabajo surge tras el proyecto Manual de coreografías, presentado en el Ateneo de la Laguna y en el antiguo convento de San Agustín a modo de exposición textual.

En esta acción los textos son intervenidos por una serie de artistas colaboradores, creando entre todos un lugar, para la imaginación del lector-espectador.

De ahí se desprende la idea de crear una escena que pueda ser escuchada y a la que puedan acceder personas con visión reducida e incluso invidentes.

De esta manera, Sobre lo que no se ve deriva de anteriores trabajos y desea explorar paradójicamente sobre lo que vemos, lo que recordamos, la memoria  y el presente como lugar al que acceder para jugar a ampliar nuestros recuerdos.

El trabajo de línea performtiva será interpretado por tres intérpretes provenientes de la danza o teatro postdramático.

La imaginación como maneras de construir mundo, formarán parte de la propuesta escénica.

 

< Hay algo en lo que vemos que no vemos> O, acaso más preciso, <hay algo en lo que vemos que no vemos que vemos, que no sabemos que vemos>

... Un punto ciego inexpugnable en el centro mismo de la visión, quizá incluso como su núcleo organizador más rápido.

Para esa episteme, para ese programa general que regula el complejo de las condiciones bajo las que se produce la visón - condiciones técnicas, económicas, políticas...pero también simbólicas, fiduciarias, referidas a las creencias y narrativas abstractas que una comunidad implícitamente comparte, ver es un acto cognitivamente mermado, incompleto, que no se realiza suficientemente en sí mismo.

Fragmento de DESOCULTACIÓN, de José Luis Brea

 

Masu Fajardo nació en Tenerife en 1978. Combina sus estudios de Historia del arte con la danza hasta que se decanta por esta segunda. Para ello continúa su formación en Barcelona donde se profesionaliza y trabaja con diferentes coreógrafos y compañías. A partir de su solo Microficciones (cómo desaparecer en escena) comienza su propia línea de investigación sobre la invisibilidad y los espacios intermedios donde la visión es interrumpida por lo no lineal, un tiempo expandido y una escena de carácter performativo en tanto que es una práctica en continua expansión. 

Actualidad

Auditorio de Tenerife recibe del 11 al 24 de octubre de 2021 la residencia artística Mónicas, un proyecto de investigación de Federico Vladimir Strate Pezdirc y Pablo Lilienfeld.

 

 

Se trata de un trabajo inspirado en las pinturas de Mónica Lilienfeld y en las fotografías de FMONICA 1ederico Strate y Mónica Pezdirc.

Los creadores explican: "Las Mónicas son nuestras madres. Mónica es también el nombre de nuestra futura hija. En esta primera residencia de investigación trabajaremos durante dos semanas reimaginando nuestra genealogía como una genealogía tentacular y no vertical.

Una ecología genealógica en la que no sólo convivan la épica de las guerras, migraciones y demás relatos patriarcales sino que también incluya las que se han quedado fuera: intimidades, fantasmas y amantes.

Los hechos no son un fin; son el principio."

Mónica Lilienfeld (Buenos Aires 1950- Madrid 1986). Hija de judíos alemanes que emigran a Argentina escapando del nazismo. En 1971 emigra a Madrid, donde acabará siendo secretaria del Director del Banco de España. Madre de dos hijos. Su verdadera vocación es la pintura. Muere de cáncer con 36 años.

MONICA 2Mónica Pezdirc (Buenos Aires 1957). Hija de Domobranci -colaboracionistas nazis eslovenos- que emigran a Argentina huyendo de la Yugoslavia comunista. Odontóloga y madre. En 1990 emigra a Coruña con su marido y sus tres hijos. Nudista y amante del mar, durante toda su vida posa como modelo en las fotografías eróticas de su marido. 

 

Federico Vladimir Strate Pezdirc (1981) y Pablo Lilienfeld (1983) se formaron como colectivo en 2014. Trabajan y viven en Bruselas desde 2017, donde Pablo completó Research Studios en la escuela P.A.R.T.S. y Federico a.pass Artistic Research.

Su trabajo utiliza la ficción especulativa dentro de la danza/performance, el documental, la fotografía y la instalación para interrumpir las narrativas normativas que han sido naturalizadas por los discursos históricos. Ambos se graduaron en Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid, aunque el trabajo personal de Federico se muestra en contextos de artes visuales mientras que el de Pablo está más vinculado a la coreografía y la creación musical. Colaboran con otros artistas como Lina Lapelyte, Janet Novás, Manuel Rodríguez, Marco D’Agostin o Alessandro Sciarroni.

Sus trabajos han sido mostrados en contextos como Kasseler Dokfest (Kassel); TanzHaus (Zurich); NAVE (Santiago de Chile); FIDCU (Montevideo); TEFAF (Maastricht); Sant Andreu Contemporani, Loop, El Grec, MACBA y Salmon Festival (Barcelona); Azkuna Zentroa (Bilbao); Cinéma du Réel, (Paris); Queer Lisboa (Lisboa); Santarcangelo Festival y B-Motion (Italia); Madrid en Danza, Veranos de la Villa, MNCARS, La Casa Encendida, y CA2M (Madrid); TenerifeLAV o Escenas do Cambio (Santiago de Compostela).

Sus últimos trabajos, las Piezas Dragón, han sido desarrolladas entre España y Bélgica con el apoyo de BUDA Kortrijk, workspaceBrussels, WP Zimmer, el Ayuntamiento de Madrid y la Comunidad de Madrid.

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Auditorio de Tenerife recibe del 27 de septiembre al 9 de octubre de 2021 la residencia artística Fiestas invisibles, de la creadora Paloma Calle. Se trata de un proyecto de Massimiliano Casu y Paloma Calle con la colaboración de Max Bultó.

 

Una fiesta invisible es un fragmento del suelo de la ciudad que se eleva convirtiéndose en un espacio escénico para algunas de las innumerables encarnaciones de las luchas por construir un espacio público más abierto e igualitario.

Es un proyecto performativo de naturaleza lúdico-festiva, que propone un ejercicio directo del derecho a aparecer a través de la música y el baile, por parte de algunas de las subjetividades e identidades habitualmente más invisibilizadas y excluidas del respecto al uso del espacio público.

Se basa en un dispositivo escénico inspirado en el famoso Speakers’ Corner de la capital británica, pero también en las discotecas móviles que atraviesan las fiestas de barrios y pueblos del estado español en el verano, que acoge un programa de dj-set y actuaciones ofrecidas por personas que no ejercen habitualmente como pinchadiscos, cuyas vivencias personales serán visibilizadas (y exorcizadas) en forma de eventos de baile en un diálogo performativo entre los protagonistas de cada sesión y Max Bultó, performer recién llegado a la ciudad con un misterioso pasado.

Confiamos en el poder territorializador del disfrute musical compartido y de la alegría de los cuerpos, en esa capacidad intrínseca de la emisión sonora para producir espacios sociales, redes de afectos y oportunidades de encuentro.

Fiestas Invisibles propone una reflexión bailona, encarnada y agitada, en torno a cuánto podemos considerar público un espacio urbano donde, a día de hoy, se siguen reproduciendo inaceptables ejes de exclusión, violencia y desigualdad.

Lanza estas preguntas abriendo un espacio donde personas afectadas por tales reflexiones y vivencias puedan tomar un espacio de visibilidad que no se limite a la denuncia, sino que se centre en la prueba encarnada, sudada y celebrante de qué es lo que la sociedad pierde cuando excluye lo no normativo de la arena pública.

Concretamente, el proyecto propone una serie de performances en forma de fiestas callejeras cuyos dj-set serán llevados a cabo por familias (desde una idea expandida y no biologicista de familia) que, en sus vivencias diarias, desafían los dogmas de lo normativo en sus múltiples vertientes (patriarcales, heteronormativas, binarias, racistas, edadistas y/o capacitistas), y cuya voz y vivencia serán amplificadas por un soundsystem-púlpito desde el que lanzar, desde el roce lúdico de los cuerpos, un mensaje de lucha para la igualdad y celebración de la no-normatividad.

Lo que tendrán en común las familias invitadas a participar es su pasión por la música y su deseo de hacer bailar a la gente reivindicando ese lugar aficionado, puesto que ninguna persona participante será DJ profesional.

 

Fiestas invisibles Itinerancia

Paloma Calle. Madrid 1975.

"Mi trabajo se desarrolla en un territorio híbrido y móvil entre la investigación y creación en artes vivas y al educación no formal

Desde la práctica artística escénica o performativa, propongo un pensar desde el hacer, desde el cuerpo, no tanto desde la palabra y lo discursivo. Busco legitimar saberes o aprendizajes alejados de la investigación entendida de la manera más tradicional o académica. Utilizo el extrañamiento y el humor, así como la autobiografía y las preguntas, como herramientas de trabajo.

Cada vez estoy más lejos de las paredes que construyen el dispositivo escénico llamado “teatro” pero tampoco ese hilo se ha cortado, sólo se ha vuelto más fino y largo.

Mi enfoque se sitúa desde una perspectiva interseccional feminista disidente de la norma  heterosexual.

He trabajado con diferentes instituciones de Europa, Asia y Latinoamérica como: Matadero, Intermediae, La Casa Encendida, CA2M, Facultad de Bellas Artes de Madrid y de Cuenca, MUSAC, Programa Aprendanza, Rimbun Dahan (Malasia), Festival Panorama (Brasil), Espacio NAVE (Chile) entre otras."

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Auditorio de Tenerife recibe del 7 al 22 de julio de 2021 la residencia artística Petróleo, de la creadora Poliana Lima

 

 

Petróleo es un proyecto coreográfico que explora la idea central del cuerpo como espacio dinámico y disruptivo de recuerdo, olvido y renovación de archivos. Explora el potencial más dinámico de la conservación frente al impulso fijador de la preservación.

Las tumultuosas compresiones terrestres a lo largo del tiempo y el espacio transforman, solidifican y licúan elementos en lo más profundo del cuerpo de la tierra. El título hace referencia a la materialidad de este "oro negro"; sus formaciones geológicas, extracciones, explotaciones y su fuente de energía y poder. El proyecto explora la arqueología de esta mercancía a través del tiempo, el espacio, las personas, los lugares y los cuerpos.

La extracción de esta preciada fuente de energía requiere destreza y precisión exploratoria, violencia y desplazamiento; una poderosa metáfora de la profunda minería que requiere el proceso coreográfico. Un proceso en el que el cuerpo socializado y danzante se mueve a través del tiempo y el espacio, a través de los estratos personales y colectivos para extraer en profundidad las fuentes de poder, energía y perturbación.RETRATOAMY

Un elemento autobiográfico clave en este viaje creativo es la historia única recientemente descubierta del abuelo negro de Poliana Lima -Antonio Vieira Lima-, hijo de uno de los descendientes de los 5,5 millones de esclavos africanos transportados a la fuerza a Brasil.

Esta biografía ancestral desenterrada se contextualiza dentro de las políticas de mestizaje más amplias, colectivizadas y problemáticas, de la "democracia cultural" brasileña, que se convierte en uno de los motores de las ambiciones creativas e intelectuales del proyecto.

El elemento autobiográfico sirve de catalizador para emprender toda una serie de actos de archivo en los que la búsqueda de la historia familiar de un individuo -un recuerdo intencionado- desentierra imágenes, creencias, recuerdos, sueños, sonidos, acciones- que resuenan más allá del ámbito de lo personal.

El imperativo central de la investigación de este proyecto es descubrir de qué manera se forma, se hace visible y se "lee" un cuerpo enculturado. Igualmente importante es descubrir de qué manera se niegan o se marginan otras influencias y prácticas culturales dentro de una matriz cultural nacional dominante en evolución y que, sin embargo, pueden revelarse a través de una arqueología coreográfica del yo.

A través de Petróleo, Poliana Lima se pregunta quién es ahora y cuál su mi potencial cuando lo que se le ha ocultado durante años sale a la luz y le obliga a repensar, reconocer y celebrar lo que es posible.

Petróleo encarna las complejas exploraciones emocionales y físicas que se requieren para "desarreglar" un yo existente. El evento de la performance es un catalizador a través del cual las fracturas de liberación de energía abren diálogos entre la historia archivada y el olvido activo, la autenticidad y la autoridad moral, la homogeneidad y la criticidad.

Petróleo es un intento de ver cómo una obra de performance coreográfica puede ampliar el alcance de las acciones basadas en la identidad que buscan reconfirmar las diferencias.La perspectiva aquí es "co-unir" nuestros movimientos hacia la auto-realización e ir más allá de las luchas individuales.El resultado sería dejar atrás la mera tolerancia y lograr una universalidad solidaria más radical e inclusiva. La aspiración es que la coreografía active el sentido de agencia histórica del público.

El público es testigo de la energía y la determinación del intérprete para excavar una identidad renovadora, perforando los estratos ancestrales, liberando una fluidez, un poder y una fuerza para crear un sentido renovador de la persona.La actuación se convierte en una forma de incorporación ritual, uniendo lo invisible con lo visible, lo no contado con lo contado, la quietud junto a la fluidez del movimiento, una psicogeología tangible del ser.

 

S. P. Purcell, 14 de abril de 2021

 

Poliana Lima es una artista de Aerowaves 2021 con la pieza Las cosas se mueven pero no dicen nada. Ha sido artista asociada en Conde Duque (2018-2020) y colaboradora habitual del Centro Danza Canal, ambos en Madrid. Es una bailarina y coreógrafa multipremiada, originaria de Brasil y ahora residente de larga duración en España. La exploración de las posibilidades de una poética minimalista del cuerpo a través de la identidad y la memoria es clave como estrategia para conectar profundamente con el público. Estas temáticas informan directamente de sus enfoques pedagógicos a la hora de coreografiar, interpretar y enseñar.

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Hammamturgia es un nuevo proceso de investigación que iniciará la Societat Doctor Alonso en el Auditorio de Tenerife del 21 al 27 de junio de 2021

 

 

El colectivo persigue formalizar esta nueva investigación en formato escénico pero no descarta encontrar otras formas de compartir el trabajo con la gente. En los últimos ocho años han iniciado y llevado a cabo tres procesos de investigación que les han conducido a diversos formatos y trabajos.

Estos procesos de investigación nacieron por una doble razón. Por un lado, la necesidad que sentían de relacionarse y trabajar con personas/creadores/pensadores distintos a los habituales. Por una necesidad de abrir la mirada, incorporar nuevas perspectivas, preguntas y formas de hacer. Por otro lado, y mirando con perspectiva a las tres investigaciones que preceden a Hammamturgia, por una obsesión que ha ido desplegándose de distinta forma.

Poner en duda la manera occidental aprendida de mirar, relacionarnos y habitar el mundo. Motor que no ha abandonado a la Societar Doctor Alonso en todos estos procesos.

 

Antecedentes

Así en el proceso de la Glorieta la pregunta inicial fue: ¿qué es central y qué es periférico en el discurso? Seguida de: ¿Y qué es lo que sucede en el discurso en la periferia? Es decir, se ponía en tela de juicio aquello central dado en el discurso y se desplaza el interés y la mirada hacia aquello que se podría considerar periférico. Un aproximación intuitiva y conceptual, pero que ya indicaba un rail por el que las futuras investigaciones, más precisas, circularían. La Glorieta dio como resultado una serie de mecanismos y esbozos prácticos inacabados que abrían muchas preguntas y apuntaban caminos para continuar la búsqueda.Hammamturgia definitivo

El siguiente proceso, El desenterrador de palabras, operaba de forma similar a la Glorieta, es decir, poniendo en duda o en crisis algo. En la Glorieta fue la preeminencia de lo central del discurso, y aquí la función y capacidad de las palabras para dar cuenta del mundo que teóricamente definen, pero dando dos pasos al frente. De un lado, fijarse de forma explícita y concreta en una forma con la que trabajar, las palabras. Del otro, centrando la investigación por un solo camino y profundizando en él.

Si en la Glorieta se pusieron en marcha muchas prácticas distintas y se generaron diversos mecanismos y preguntas, en el Desenterrador se optó por incidir en una sola práctica hasta perfeccionarla. Y de ahí surgió la excavación de palabras como técnica de trabajo grupal que siguen practicando hoy en día y de la cual surgió la textualidad de la pieza escénica Y los huesos hablaron.

El tercer proceso de investigación es Contrakant, que continúa circulando por la vía de poner en tela de juicio elementos de la supuesta forma de entender el mundo para generar un agujero o grieta por el que ver o desvelar otras realidades o percepciones. En este caso la investigación se propone cuestionar los a priori kantianos según los cuales nosotros occidentales solo podemos acercanos y entender la realidad a partir de unas estructuras de espacio y tiempo que nos vienen dadas previamente. Nuevamente aquí la intención es la de darle la vuelta al “conocimiento” tal y como se cree que es y tal y como se piensa que funciona. En esta ocasión, atacando frontalmente a uno de los pensadores que más sólidamente ha contribuido a construir la forma en que los occidentales reen que se puede conocer el mundo.

Hammamturgia es, pues, un nuevo paso en este devenir, pero ahora inmersos en algo atmosférico, endocrino. En este caso el intento es no tanto analizar el funcionamiento de alguno de los saberes o mecanismos que definen el mundo visible, o dicho de otra forma, no es esta vez un trabajo a realizar desde fuera para encontrar un adentro, en Hammamturgia el paso a dar es estar dentro, atravesarlo, ser aquello que nos mueve y no vemos.

Y como, en el resto de investigaciones, Societat Doctor Alonso quiere hacer este viaje acompañados por otras personas y miradas. Realizarán encuentros con personas ocupadas en: los discursos sobre el cuerpo y su performatividad, el mundo árabe, y en en las preguntas del espacio arquitectónico, pues se pretende construir un espacio de intimidad compartida con las características de un Hammam árabe.

 
Elemento clave:

Este proceso de investigación surge de la necesidad de entender una intuición. La existencia de la Hammamturgia. La Societat Doctor Alonso expone:

"Sabemos que al lado de toda dramaturgia hay una Hammamturgia. La Hammamturgia es aquello orgánico que organiza, valga la redundancia, lo que puede suceder. Un suceder que es sedimento. Leemos dramaturgia pero lo que realmente opera el cambio, cuando es justo, es la Hammamturgia. La Hammaturgia igual que la dramaturgia no es la vida. La Hammaturgia seria la ordenación del cambio. No una narración del cambio sino la incursión en el cambio. La Hammamturgia es lo que esta fuera de ti, lo que realmente pasa. Por eso es importante trabajar en un ritual, porque va de principio a fin, porque no te abandona a medias, porque no es una parte sino el todo. Porque el ritual tiene una liturgia fija que nos permitirá poner la mirada en la hammaturgia. Y por tanto sucederán dos cosas al mismo tiempo. La liturgia del Hammam del cuerpo/limpieza/relajación, y la Hamamturgia, el cambio, lo compartido.

¿Por qué un hammam? Porque es una liturgia que nos es lejana y cercana a la vez. No la practicamos en nuestro día a día, y esta lejanía nos dará límite, necesidad de aprendizaje y libertad. Y nos es cercana por sedimento, por origen mediterráneo compartido. Tiene una liturgia clara y definida, de principio a fin. Porque entras de una manera y sales de otra, porque tu cuerpo ha sido sometido a un proceso de limpieza y cambio. Porque los espectadores no tendrán apenas tiempo de preguntarse nada, ya que estarán inmersos en el espacio y su liturgia. Estarán rápidamente situados en el centro de la Hammamturgia. Porque el cuerpo es parte esencial de la liturgia. El cuerpo está en el centro de la propuesta.

En el hammam la percepción está en tu cuerpo. Cuerpo que se detiene. Cuerpo que se desprende de su ropa. Cuerpo que se limpia con el agua. Cuerpo que se somete a diversas temperaturas que han de permitir extraer el sudor, lo sobrante, que lo tonifica. Cuerpo que recibe un masaje. Cuerpo que se estira y relaja. Cuerpo que se renueva.

Y la percepción se hace al contexto. El espectador que llegue a Hammamturgia será invitado a desprenderse de todos sus pertenencias y su ropa, se le entregará un toalla, un cubo y una esponja. Y así pertrechado accederá al Hammam.

Su mirada, al estar en un espacio cerrado e íntimo, con otros en las mismas circunstancias que él mismo, cambiará sin necesidad de activar nada. Algo relacionado con lo íntimo se pondrá en marcha de forma inevitable.

Hombres y mujeres separados. Como un gesto escultórico que atiende en primera instancia a la materia y sus características físicas. Lo mismo con lo mismo en el bien entendido que dentro de lo mismo están absolutamente todas las posibilidades comprendidas.

Hombres están con hombres. Mujeres están con mujeres.


Un principio y una decisión por respeto exhaustivo a la liturgia propia del hammam. El espacio es el primer discurso.  La Hammamturgia genera un lugar de limpieza y caliente dentro de la ciudad. Construiremos un espacio húmedo, cerrado y colocado en el escenario. El escenario, donde debería estar todo a la luz, visible, expuesto, es ocupado por un espacio cerrado donde entran los espectadores. Modificar el escenario para convertirlo en une espacio cerrado, invisible a los de afuera, oculto. Modificar la posición del espectador que accederá al escenario y pasará a formar a parte de él.

El tiempo de la intimidad.

Cuando alguien va al Hammam está realizando un corte, una pausa marcada en su ritmo de vida habitual y cotidiano. El Hammam es un lugar de limpieza, silencio y reposo. Es un lugar de pausa."

 

(*)Copyright de la imagen : Fotolibro Many changes are taking place, de Alejandro Granero (2021).

Actualidad

Auditorio de Tenerife organiza, dentro del programa Reside y con la colaboración del INAEM, una nueva residencia artística a cargo de la artista valenciana Sandra Gómez con su proyecto Cartografía de la soledad, un proyecto de creación en el ámbito de la danza contemporánea que está dentro del marco de investigación Solo los solos.  Este proyecto quiere tratar la temática de la soledad y del solo en la danza contemporánea desde la práctica escénica.

Cartografía de la soledad, propone una serie de entrevistas individuales a coreógrafos/as actuales que hayan trabajado el solo para ver los motivos que les ha llevado a hacerlo y cuáles han sido sus circunstancias, sus contextos y sus planteamientos artísticos con la intención de vislumbrar si hay elementos comunes. Las entrevistas se grabarán creando un archivo que estará disponible para ser visionado y/o escuchado desde la página web personal. En un futuro este material podría formar parte de la pieza escénica como una videoinstalación.

Por otro lado, a nivel coreográfico y más adelante, se hará una práctica de movimiento (un solo) resultado de las distintas inquietudes artísticas de las personas entrevistadas pasadas por el filtro personal de la propia Sandra Gómez.

Es por ello que se convoca a participar a 15 coreógrafos/as o artistas que hayan realizado prácticas en soledad; cuerpos pertenecientes a la historia oficial y también a la no oficial de la danza contemporánea a modo de una cartografía de la soledad. 

INSCRIPCIONESEsta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo., 922 56 86 00 Ext. 219/104

Las personas seleccionadas realizarán una entrevista previa con Sandra Gómez  con el fin de recabar información necesaria sobre los perfiles artísticos y estéticos de cada participante. La residencia se desarrollará del 26 de abril al 7 de mayo, en la Sala Oval Castillo de Auditorio de Tenerife. Al ser entrevistas individualizadas, se establecerá un calendario previo de participación entre los participantes.

Se realizará un encuentro final el 7 mayo a las 11:00 horas en la Sala Puerto de Auditorio de Tenerife. Para acudir, puede enviar un correo a Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo. (aforo limitado).

 

SANDRA GÓMEZ. Coreógrafa y performer. Tiene amplia formación en danza contemporánea, Máster en Producción Artística con la especialidad en Pensamiento Contemporáneo y Cultura Visual (Facultad de Bellas Artes UPV de Valencia) y es Licenciada por la Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia.

Desde 2001 hasta 2012 trabaja como creadora en el colectivo LOSQUEQUEDAN en numerosos proyectos que son mostrados en diferentes festivales de ámbito nacional.

Desde el año 2012 trabaja de forma independiente en proyectos centrados en el cuerpo y el movimiento:

Bailar al sonido (Valencia, 2021), Volumen 2 (Valencia, 2020), Preludio y fuga (Valencia, 2019), Tot per l ́aire (BAD, Bilbao, 2018), Heartbeat (Valencia, 2017), No soy yo (Valencia, 2016), Tentativa and Guests (Valencia, 2016-2014), The love thing piece (Madrid, 2013) y Tentativa (Valencia, 2012).

En investigación ha formado parte del proyecto Autonomía y Complejidad organizado por ARTEA, ha formado parte del equipo de trabajo del Centro de estudio transversal aplicado a la escena (CETAE) dirigido por Carolina Boluda y ha participado dentro del proyecto Misión divina coordinado por Ana Buitrago, Oscar Dasí y Sergi Faustino. Ha ideado y coordinado el proyecto Maneras de hacer y ha editado el Mejor libro de danza del mundo. Imaginarios sobre danza y otros asuntos surgido de este último proyecto.

Programación

MúsicaFestivales
Auditorio de Tenerife
Cabin fever
Residencia artística
sáb 22may21
DanzaResidencias
Auditorio de Tenerife
Paloma Calle
Artista
Massimiliano Casu
Artista
sáb 09oct21
DanzaResidencias
Auditorio de Tenerife
Federico Vladimir Strate Pezdirc y Pablo Lilienfeld
artistas
sáb 23oct21
DanzaResidencias
Auditorio de Tenerife
Masu Fajardo
Bailarina y creadora
vie 03dic21
MúsicaFestivales
Auditorio de Tenerife
Bára Gísladóttir y Skúli Sverrisson
contrabajo y bajo eléctrico
Unmute + Strings
Residencia artística
sáb 20may23
DanzaResidencias
Auditorio de Tenerife
Amalia Fernández
Performer
dom 16jul23
Artes EscénicasResidencias
Auditorio de Tenerife
Sed
Raquel Ponce
artista
sáb 24feb24